Про барокко, очень кратко. Бегом практически — Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве
Содержание
- 1 Архитектура
- 1.1 Италия
- 1.2 Испания
- 1.3 Франция
- 1.4 Англия
- 1.5 Германия и Австрия
- 2 Скульптура
- 3 Живопись
- 4 Гравюра
- 4.1 Заключение
Просмотры: 138 777
Скачать как PDF
В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля.
Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.
Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм. Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).
В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы.
Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.
Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры.
Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.
Архитектура
Фасад МадернаИталия
В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.
Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.
Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.
Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680).
Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.
Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные
Площадь собора св. Петрадни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади.
Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.
Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.
Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале).
Сложились его отличительные признаки:
1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.
2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.
Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.
Испания
Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными.
Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин
Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.
Франция
Во Франции барокко более строгое, без излишеств.
Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708). Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.
Англия
Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном.
Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение. Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.
Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.
Германия и Австрия
В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.
Скульптура
В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.
В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену.
Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.
Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.
Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций.
Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.
Живопись
В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)
Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум.
Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.
Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.
Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.
Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.
Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера.
Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).
Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики.
Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.
Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.
Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества».
«Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.
Гравюра
В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.
Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак.
Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».
Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).
Заключение
Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.
Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.
Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.
Д. Харман.
Стиль Барокко — Все об эпохе искусства
На закате эпохи Возрождения, в конце XVI века появился новый стиль – барокко. Именно о нем пойдет речь в данной статье.
Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») – это стиль в искусстве вообще и архитектуре в частности.
Родиной этого стиля принято считать некоторые итальянские города: Рим, Венецию и Флоренцию. Сразу нужно подчеркнуть, что эпоха барокко с самого начала резко противопоставила себя классицизму и рационализму.
Эпоха барокко
Условно считается (как и все исторические периоды), что эпоха барокко продолжалась в течение XVI-XVIII вв. Интересно, что все началось с Италии, которая к 16 веку стала заметно ослабевать на международной арене в экономическом и политическом плане.
Французы и испанцы активно проводили свою политику в Европе, хотя Италия по-прежнему оставалась культурным центром европейского общества.
А силу культуры, как известно, определяет ее умение приспосабливаться к новым реалиям истории.
Вот и итальянская знать, не имея денег на постройку богатых дворцов, демонстрирующих их мощь и величие, обратилась к искусству, чтобы с его помощью создать видимость богатства, силы и процветания.
Именно так наступила эпоха барокко, ставшая важным этапом в развитии мирового искусства.
Важно подчеркнуть, что жизнь людей в это время начала основательно меняться. Для эпохи барокко характерно много свободного времени. Горожане предпочитают рыцарским турнирам (см. интересные факты о рыцарях) прогулки на лошадях («карусели») и игру в карты, паломничествам – гуляние в парке, мистериям – театры.
Старые традиции, основанные на суевериях и предрассудках, отпадают. Выдающийся математик и философ Рене Декарт (см. интересные факты о Декарте) выводит формулу: «Я мыслю, следовательно, существую». То есть общество перестраивается на другое мышление, где здраво не то, что сказал какой-то авторитет, а то, что можно математически точно объяснить любому разумному существу.
Интересен факт, что в профессиональной среде вокруг самого слова «барокко» происходит больше споров, чем об эпохе, как таковой. С испанского языка barroco переводится, как жемчужина неправильной формы, а вот с итальянского – baroco обозначает ложный логический вывод.
Этот второй вариант выглядит наиболее правдоподобным вариантом происхождения спорного слова, так как именно в эпоху барокко в искусстве наблюдалась какая-то гениальная нелепость, и даже причудливость, поражающая воображение своей напыщенностью и величием.
Стиль барокко
Для стиля барокко характерны контрастность, динамичность и напряженность, а также отчетливое стремление к пышности и внешнему величию.
Интересно, что представители данного направления чрезвычайно органично объединяли разные стили искусства. Одним словом, Реформация и учение Коперника (см. интересные факты о Копернике) сыграли ключевую роль в закладке фундамента стиля барокко.
Если для эпохи Возрождения свойственно было воспринимать человека, как меру всех вещей и разумнейшее из существ, то уже Блез Паскаль иначе осознает себя: «чем-то средним между всем и ничем».
Искусство барокко
Искусство барокко отличается, прежде всего, необыкновенной пышностью форм, оригинальностью сюжетов и динамизмом. В художестве преобладает броская цветистость. В живописи наиболее выдающимися представителями этого стиля были Рубенс и Караваджо.
Глядя на некоторые картины Караваджо, невольно поражаешься динамичности его сюжетов. Игра света и тени невероятно тонко подчеркивает различные эмоции и переживания героев. Интересен факт, что влияние этого художника на искусство было столь большим, что появился новый стиль – караваджизм.
Некоторые последователи сумели перенять от своего учителя натурализм в передаче на холст людей и событий. Питер Рубенс, обучаясь в Италии, стал последователем Караваджо и Каррачи, освоив их технику и переняв стиль.
Видным представителем искусства барокко были также фламандский живописец Ван Дейк и голландец Рембрандт. В Испании этому стилю следовал выдающийся художник Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен.
К слову сказать, именно Пуссен начал закладывать основы нового стиля в искусстве – классицизма.
Барокко в архитектуре
Архитектура, выполненная в стиле барокко, отличается пространственным размахом и сложными, криволинейными формами. Множественные скульптуры на фасадах и в интерьерах, различные колоннады и масса раскреповок создают пышность и величественный вид.
Архитектурный ансамбль «Цвингер» в ДрезденеКупола приобретают сложные формы, и нередко имеют несколько ярусов. Пример может служить купол в соборе Святого Петра в Риме, архитектором которого был Микеланджело Буонарроти.
Наиболее значимыми произведениями барокко в архитектуре считаются Версальский дворец и здание Французской Академии в Париже. К крупнейшим в мире ансамблям барокко относят Версаль, Петергоф, Цвингер, Аранхуэс и Шёнбрунн.
Вообще надо сказать, что архитектура этого стиля распространилась во многих европейских странах, в том числе и в России, под влиянием Петра Великого.
Стиль «Петровское Барокко»Музыка барокко
Говоря об эпохе барокко, невозможно обойти стороной музыку, так как она в этот период также претерпевала значительные изменения.
Композиторы объединяли масштабные музыкальные формы, одновременно пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.
Возникают различные инструментальные жанры. Наиболее видными представителями музыки барокко являются Бах, Гендель и Вивальди.
Подводя итог можно с уверенностью сказать, что эта эпоха породила гениев мирового значения, которые навсегда вписали свое имя в историю. Творчеством многих из них до сих пор украшены лучшие музеи разных стран.
Если Вы любите интересные факты обо всем на свете — рекомендуем подписаться на InteresnyeFakty.org. С нами всегда интересно!
Понравился пост? Нажми любую кнопку:
Искусство и архитектура барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты
Артемизия Джентилески: Юдифь со служанкой
Просмотреть все СМИ
- Ключевые люди:
- Гуарино Гуарини Сэр Сашеверелл Ситуэлл, шестой баронет Паломино Де Кастро и Веласко Жан-Франсуа де Лаарп Франсиско Пачеко
- Похожие темы:
- искусство барочная музыка барочная архитектура необарокко Позднее барокко
Просмотреть весь связанный контент →
Популярные вопросы
Откуда взялся термин Барокко ?
Термин барокко , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике.
Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или запутанный мыслительный процесс. Другой возможный источник — португальское слово 9.0024 barroco (испанский barrueco ), используемый для описания жемчуга неправильной формы. В искусствоведении слово барокко стало обозначать что-либо неправильное, причудливое или иным образом отступающее от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19 века этот термин всегда имел значение странного, преувеличенного и чрезмерно украшенного. Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина « Ренессанс и барокко » (1888 г.) этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.
Подробнее читайте ниже: Происхождение термина
Генрих Вельфлин
Прочтите об историке Генрихе Вельфлине, который превратил слово барокко из слегка завуалированного ругательного термина в название особого стиля и периода.
Каковы характеристики искусства и архитектуры барокко?
Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложно и даже противоречиво. Течения натурализма и классицизма, например, сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция стирать различия между различными искусствами.
Подробнее читайте ниже: Происхождение термина
Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане
См. пример характерной драмы и движения архитектуры барокко в дизайне Франческо Борромини для Сан-Карло-алле-Кватро Фонтане.Как возникли искусство и архитектура барокко?
Три основные тенденции оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация.
Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545—63) приняла пропагандистскую программу, согласно которой искусство должно было служить средством возбуждения веры населения в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка делала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного. Второй тенденцией была консолидация абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко строились в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать силу централизованного государства, явление, которое лучше всего проявилось в Версале. Третьей тенденцией было расширение интеллектуальных горизонтов человека, подстегиваемое развитием науки и исследованиями земного шара. Это породило новое ощущение человеческого ничтожества (особенно усиленное коперниканским смещением Земли из центра вселенной) и бесконечности природного мира.
Пейзажные картины, на которых люди изображаются в виде мельчайших фигурок в огромном пространстве, свидетельствовали об этом меняющемся понимании человеческого состояния.
Подробнее читайте ниже: Три основные тенденции эпохи
Контрреформация
Узнайте больше о Контрреформации, пропагандистской программе, принятой Римско-католической церковью для противодействия распространению протестантской Реформации с помощью искусства и архитектуры.Какие художники связаны со стилем барокко?
Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицистический и реалистический стили. Художница Артемизия Джентилески получила признание в 20 веке за ее техническое мастерство и амбициозные исторические картины. Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали в себя дизайн колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко.
Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму живописи барокко. Тем временем этот стиль немного проник в Северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого преимущественно римско-католического региона, управляемого испанцами, был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами своих покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты, тем не менее, приравнивают их к этому стилю.
Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.
Подробнее читайте ниже: Архитектура, живопись и скульптура
Артемизия Джентилески
Узнайте больше об Артемизии Джентилески, художнице эпохи барокко, чьи достижения стали известны в 20 веке.Чем стиль рококо отличался от барокко?
Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре распространился по всей Франции, а затем и в других странах, главным образом в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовался в декоративно-прикладном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто характеризуют как заключительную фазу барокко, но стиль отличается от своего предшественника своим интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых природных форм в орнаменте. Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, слегка меланхоличных картин Антуана Ватто, достигла кульминации в игривых и чувственных обнаженных телах Франсуа Буше и закончилась вольно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара.
Французская живопись рококо в целом характеризовалась непринужденной, беззаботной трактовкой мифологических и любовных тем, введением семьи в качестве сюжета, богатой и тонкой кистью, относительно легким тональным ключом и чувственным колоритом.
Рококо
Узнайте больше о рококо, стиле, который часто считается последней фазой барокко, но который во многих отношениях отличается от своего предшественника.Сводка
Прочтите краткий обзор этой темы
Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство и проектирование и строительство зданий, созданные в эпоху в истории западного искусства, примерно совпадающую с 17 веком. Самые ранние проявления, произошедшие в Италии, относятся к последним десятилетиям 16 века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, определенные кульминационные достижения барокко не происходили до 18 века. Произведение, отличающее период барокко, стилистически сложно, даже противоречиво.
Однако в целом в основе его проявлений лежит стремление вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция стирать различия между различными искусствами.
Происхождение термина
Термин барокко, вероятно, произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или запутанный мыслительный процесс. Другим возможным источником является португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчуга неправильной или несовершенной формы, и это использование до сих пор сохранилось в ювелирном термине 9.0024 барочная жемчужина .
В художественной критике слово «барокко» стало использоваться для описания всего неправильного, причудливого или иным образом отступающего от установленных правил и пропорций.
Этот предвзятый взгляд на художественные стили 17-го века придерживался с небольшими изменениями критики от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда имел значение странного, гротескного, преувеличенного и чрезмерно украшенного. Только благодаря пионерскому исследованию Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888), что термин «барокко» использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного оскорбления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.
Три основные тенденции эпохи
Три более широкие культурные и интеллектуальные тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также на музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее сфер как территориально, так и интеллектуально. К последним десятилетиям 16 века утонченный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.
Чтобы противостоять нашествиям Реформации, Римско-католическая церковь после Трентского собора (1545–1563) заняла пропагандистскую позицию, согласно которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования веры общества в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, чьи художественные произведения вызывали у верующих откровенно эмоциональную и чувственную привлекательность. Стиль барокко, развившийся из этой программы, был парадоксальным образом и чувственным, и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление о великолепии божественного. Церковные потолки в стиле барокко, таким образом, растворялись в нарисованных сценах, которые представляли наблюдателю яркие виды бесконечности и направляли чувства к небесным заботам.
Викторина «Британника»
Искусство и архитектура барокко: правда или вымысел?
Что вообще означает слово «барокко»? Что произошло в эпоху барокко? Проверьте свои знания с помощью этого теста.
Второй тенденцией была консолидация абсолютных монархий, сопровождавшаяся одновременной кристаллизацией видного и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству. Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать силу и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего проявляется в королевском дворце и садах Версаля. Но в то же время развитие рынка картин для среднего класса и его вкус к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тура во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого явления см. в см. Рембрандт ван Рейн.)
Третьей тенденцией был новый интерес к природе и общее расширение интеллектуальных горизонтов человека, вызванное развитием науки и исследованиями земного шара. Они одновременно породили новое ощущение как человеческого ничтожества (особенно усиленного коперниканским смещением Земли из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира.
Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются как мельчайшие фигуры в обширной природной среде, свидетельствует об этом меняющемся понимании человеческого состояния.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
V&A · Стиль барокко
Барокко — это очень богато украшенный и сложный стиль архитектуры, искусства и дизайна, который процветал в Европе в 17-м и первой половине 18-го века. Возникнув в Италии, его влияние быстро распространилось по Европе, и он стал первым визуальным стилем, оказавшим значительное влияние во всем мире.
Определяющей характеристикой стиля барокко было то, как визуальные искусства живописи, скульптуры и архитектуры были объединены в единое целое, чтобы передать единое сообщение или смысл.
Искусство и дизайн в стиле барокко напрямую обращались к чувствам зрителя, обращаясь как к эмоциям, так и к интеллекту. Он отражал иерархическое и патриархальное общество того времени, развивавшееся и используемое власть имущими — церковью, абсолютными правителями и аристократией — чтобы убеждать и впечатлять, быть богатым и значимым.
По сравнению с контролем и тщательно сбалансированными пропорциями, характерными для эпохи Возрождения, барокко известно своим движением и драматизмом.
Первый глобальный стиль
Влияние барокко распространилось из Италии и Франции на остальную Европу, а затем распространилось через европейские колониальные инициативы, торговлю и миссионерскую деятельность в Африку, Азию, Южную и Центральную Америку. Его глобальное распространение привело к тому, что китайские резчики работали в Индонезии, французские мастера по серебряным изделиям в Швеции и итальянские специалисты по твердому камню во Франции. Скульптура была отправлена с Филиппин в Мексику и Испанию, в то время как изготовленные в Лондоне стулья разошлись по всей Европе и через Атлантику, а французские королевские мастерские выпускали предметы роскоши, которые были желанны и имитированы модным обществом по всей Европе. Однако как стиль барокко также менялся по мере того, как он пересекал мир, адаптируясь к новым потребностям и местным вкусам, материалам и контекстам.
В Китае европейские павильоны были величайшим выражением интереса цинских правителей к искусству Европы. Эти дворцы в европейском стиле были частью Юаньмин Юань или Старого летнего дворца в Пекине, летней резиденции императора Цяньлуна. Спроектированные священниками-иезуитами павильоны, большинство из которых были построены между 1756 и 1766 годами, были основаны на моделях в стиле барокко и включали величественные фонтаны и статуи. В 1780-х годах был заказан комплект гравюр на меди с изображением европейских павильонов. Этот альбом, копия которого находится в нашей коллекции, представляет собой важную визуальную запись павильонов, разрушенных английскими и французскими войсками в 1860 г.
Ощущение драмы
Важной особенностью искусства и дизайна барокко является использование человеческих фигур. Представленные как аллегорические, сакральные или мифологические, эти фигуры помогли превратить произведение в драму, чтобы передать определенные сообщения и вызвать эмоции у зрителя.
У них есть ощущение реалистичной непосредственности, как будто их остановили посреди действия. Выражение лица, поза, жесты и драпировка использовались для добавления драматических деталей.
Бюст короля Англии Карла II из нашей коллекции прекрасно отражает драматизм портретной живописи в стиле барокко. Изображенный в оживленной манере, его голова повернута набок, а замысловатый парик каскадом ниспадает на его кружевной галстук и вздымающуюся драпировку. Такие грандиозные изображения монархов и могущественных аристократов в стиле барокко были более распространены во Франции 17-го века, чем в Англии, но Карл провел большую часть своей юности в континентальной Европе и предпочитал европейских художников. Бюст соответствует традиции ярких и внушительных портретов монархов и недвусмысленно подтверждал бы статус короля.
Портретный бюст Карла II, Оноре Пелле, 1684 г., Италия. Музей №. 239-1881. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонПроизводительность архитектуры
здания в стиле барокко также были динамичными и драматичными, как используя правила классической архитектуры, так и нарушая их.
Внутри архитектура перекликалась с театральными приемами: расписные потолки делали комнаты открытыми к небу, а скрытые окна использовались для освещения куполов и алтарей.
Опять же, дизайн был использован для передачи определенных значений и эмоций. Папский Рим стал ключевым местом для религиозной архитектуры барокко. Пример театральности барокко можно найти в проекте Джанлоренцо Бернини (1598–1680) для площади Святого Петра. Его величественные, внушительные изогнутые колоннады, центрированные на обелиске, используются как для того, чтобы ошеломить посетителя, так и для того, чтобы привести его в объятия церкви.
Архитектура барокко также повлияла на облик общественных пространств города. Народные праздники играли важную роль в политической жизни страны. Обычно такие мероприятия происходили на открытом воздухе и представляли собой искусно оформленные зрелища. Городские площади, такие как Пьяцца Навона в Риме и площадь Луи-ле-Гран (ныне Вандомская площадь) в Париже, были фоном для фейерверков, роскошных театральных представлений и шествий в изысканных и дорогих костюмах.
Внушительная архитектура также использовалась для укрепления власти абсолютных правителей, например, в Версальском дворце во Франции – наиболее имитируемом здании 17 века. В 1717 году шведский архитектор Никодим Тессин Младший составил «трактат об украшении интерьеров всех видов королевских резиденций и других выдающихся мест как в городе, так и в деревне», основываясь на своих путевых заметках. Одним из самых дорогих недавних нововведений, которые он зафиксировал, было наличие таких больших зеркал, что они покрывали всю стену. Он также отметил использование стекла над дымоходом в Королевской камере в Версале.
Расписное зеркало, вероятно, работы Антуана Моннуайе, 1710–1720 гг., Англия. Музей №. W.36:1-3-1934. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонЧудесные материалы
Увлечение физическими материалами занимало центральное место в стиле барокко. Виртуозные предметы искусства из редких и драгоценных материалов издавна ценились и хранились в специальных комнатах или шкафах, наряду с естественноисторическими памятниками, научными приборами, книгами, документами и произведениями искусства.
Однако в период барокко зарождение современной науки и открытие мира за пределами Европы вызвало все более серьезный интерес к природе и значению этих экзотических материалов. Такие раритеты, как фарфор и лак из Восточной Азии, вошли в моду и стали копироваться в Европе. Также были разработаны новые методы, такие как маркетри (укладка шпона из разноцветного дерева на поверхность мебели), разработанные французскими и голландскими краснодеревщиками и полученные от них в других местах.
Значение, придаваемое таким материалам, можно увидеть в фарфоровой чашке из нашей коллекции. Изготовленный между 1630 и 1650 годами в Китае, первоначально как кувшин для кистей для письма, позже в Лондоне к нему были добавлены экстравагантные позолоченные серебряные оправы, которые превратили кувшин для кистей в роскошную декоративную чашку с двумя ручками и крышкой.
Фарфоровая чашка, вероятно, Вольфганг Хоузер, 1660-70, Англия. Музей №. М.308-1962. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонБарочный орнамент
Изображения мира природы, а также мотивы, заимствованные из форм человека и животных, были популярными декоративными элементами.
Наиболее распространенной формой барочного цветочного декора был бегущий свиток, часто сочетавшийся с акантом – стилизованным вариантом настоящего одноименного растения. Кружка конца XVII века из нашей коллекции украшена роскошным цветочным орнаментом. Листья цветов превратились в спиральную листву, а сами цветы имеют полосатые лепестки, которые, вероятно, представляют собой тюльпан, еще один ключевой мотив искусства барокко.
Аурикулярный стиль, в котором использовались мягкие, мясистые абстрактные формы, также возник в начале 17 века, создавая неоднозначный, наводящий на размышления и причудливый эффект. На самом деле, термин «барокко» был более поздним изобретением — «причудливый» было одним из слов, используемых в то время для стиля, который мы сегодня ассоциируем с барокко.
Театр
В театре ставились великолепные драматические, балетные и оперные постановки – новый вид искусства того времени.
Эти спектакли с богато украшенными костюмами, сложными декорациями и оригинальными механизмами вызывали удивление и трепет. Театр пользовался популярностью как у публики, так и при дворе. Написанная Жаном-Батистом Люлли для французского двора Людовика XIV (годы правления 1643–1715), опера « Атис » была настолько любима королем, что стала известна как «Королевская опера». В нашу коллекцию входит рисунок пером и тушью костюма персонажа Геркулеса в Атис . Он показан в балетной позе, в костюме в римском стиле, его можно узнать по дубине и львиной шкуре.
также сыграл свою роль в борьбе за власть между европейскими дворами. Правители соперничали, чтобы превзойти друг друга в великолепии своих произведений. Во Франции театр и опера также стали ключевым элементом культурной политики Людовика XIV, который использовался для контроля над дворянством и выражения его власти и великолепия.